Edvard Munch

A lo largo de su carrera pintó al menos 4 versiones de esta misma composición, la que aparece en esta imagen es una de las más difundidas. Su gran éxito se debe en gran parte al impacto que logra causar, toda la imagen exuda con gran fuerza sensaciones de miedo y calamidad inminente.

La inspiración de "El grito", proviene de una experiencia totalmente trivial, en la que el pintor daba un paseo, momento en el que se detuvo y tuvo una especia de visión, en la que sintió que la propia naturaleza le transmitía su angustia.

Obra llena de símbolos, donde el autor viene a significar multitud de mensajes, los cuales han sido objeto de extensas interpretaciones por parte de los expertos.

las representaciones más patentes son: la transición de la niñez a la vejez, mostrada por las tres mujeres de izquierda a derecha; la luna sobre los dos jóvenes centrales manifiesta el carácter pasional del lienzo; La chica de blanco, representa la inocencia, mira al futuro (hacia la derecha) con gesto ilusionado; la joven de en medio mira a su hombre y está entregada a la entrega mutua; y la mayor de ellas mira al pasado (hacia la izquierda) con un gesto de amargura.

25 años más tarde, el artista pintaría el mismo diseño, en una versión muy similar.

Muestra la vista por la ventana, una noche de verano, desde un hotel en la pequeña localidad costera de Åsgårdstrand, Noruega.

Lejos de intentar una mirada realista del paisaje, la intención del artista fue plasmar sentimientos de melancolía, y establecer un contraste entre luz y sombras, el cual viene acompañado por la propia textura de la obra. Pintura muy densa en la sombra y lienzo prácticamente desnudo en la parte más luminosa.

En un entorno muy similar a "El grito", esta obra muestra a 3 personajes principales con la cara verduzca, proyectando sensación de ansiedad, desasosiego y depresión.

Se trata de un retrato de gran calidad, como pocos, a lo largo de su carrera, donde se muestra a sí mismo fumando, y con medio cuerpo inferior difuminado por el humo.

La expresión facial es de contemplación y desconcierto, como secundando las palabras que dijo el mismo: "Enfermedad y locura fueron los ángeles negros que cuidaron mi cuna...".

Se trata de una de las principales pinturas de Munch, donde se retrata a sí mismo en una manifiesta condición de vejez y soledad

Sin mostrar sentimiento alguno. Lo único que espera es la muerte, la cual se cierne sobre el simbólicamente, se sitúa entre el reloj y la cama: el primero símbolo del poco tiempo que le queda y la segunda símbolo del desenlace fatal.

Cuenta una historia mediante imágenes, donde el título "Cenizas" significa lo que queda entre los amantes cuando termina el fuego de la pasión.

La muchacha se lleva las manos a la cabeza después de haber tenido un encuentro íntimo con el hombre que aparece en la esquina inferior izquierda. El entorno de bosque representa una relación escondida que no tiene un lugar. Ella a medio vestir y con gesto de arrepentimiento, él esconde su rostro con un ademán que parece vergüenza.

El artista estaba casi obsesionado con esta escena, pintó diferentes versiones de la misma durante más de 30 años (la primera en 1901). La presente se considera una de las más destacadas, el pintor hizo un símil de la obra original, luego de haber experimentado con cambios en el paisaje decenas de veces. Ver

Representa a un hombre y una mujer besándose, abrazados. El artista usa la técnica de la pincelada libre con textura pesada, para transmitir sensación de movimiento, no sólo en las figuras, sino que en todo el espacio pictórico. También se observa que los amantes se encuentran en una habitación con las cortinas cerradas, dejando entrar un poco de luz de la calle a través de la esquina destapada de la ventana. Los colores utilizados son principalmente fríos: azules, verdes, negros y rojos oscuros.
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El mismo diseño fue pintado 5 veces al óleo y grabado una vez en placa litográfica, con la que se imprimieron otras tantas litografías a color. Una de estas últimas fue vendida en subasta por valor 1,25 millones de libras esterlinas.

Los críticos de arte y expertos no se ponen de acuerdo en una única interpretación de este motivo, sin embargo, concuerdan en algunas líneas generales: el carácter sexual, la prominencia de la mujer sobre el hombre y el estrecho lazo entre amor y muerte.

Esta es una de las obras donde más abiertamente combina los temas de la enfermedad y la muerte. Es fruto de una experiencia personal del artista: la muerte por tuberculosis de su hermana; hecho que lo marcó fuertemente, y contribuyó a las temáticas que desarrollaría a lo largo de toda su carrera.

Él mismo es el hombre que mira hacia la silla, donde se encuentra hermana ya muerta o agonizando.

Sobre este cuadro el propio autor dijo: "En la misma silla donde pinté a la enferma, yo y todos mis familiares maternos, se han sentado invierno tras invierno, deseando la llegada del sol, hasta que la muerte se los llevó. Y todos mis parientes paternos han caminado de izquierda a derecha con ansiedad..."

En tres años realizó 6 obras muy similares, de las cuales esta es una de las últimas. Fue llamada con posterioridad "Vampiro" porque parece que la mujer estuviera mordiendo el cuello de su compañero, pero esto no forma parte de la idea original del artista.

Expertos concuerdan que el símbolo principal del óleo es la sensualidad femenina que se impone sobre la realidad masculina, que en este caso no es capaz más que de someterse a los designios de ella.